Le catalogue de la première exposition rétrospective d'Agnès Varda.

De ses liens avec l'histoire de l'art à sa dimension sociale et politique, Viva Varda ! parcourt les grands thèmes de l'oeuvre polymorphe d'Agnès Varda (1928-2019). La photographe, cinéaste et artiste a déployé sur soixante-dix ans une oeuvre personnelle et fondamentalement ancrée dans le temps. Sa filmographie compte plus de quarante courts et longs-métrages naviguant entre fiction et documentaire, dont les incontournables Cléo de 5 à 7 (1962), Sans toit ni loi (1985), Les Glaneurs et la Glaneuse (2000) et Visages Villages (2017). Précurseuse de la Nouvelle Vague, elle est l'une des rares femmes de sa génération à avoir fait carrière en tant que réalisatrice. Globe-trotteuse et artiste de conviction, Varda témoigne aussi d'une grande attention au monde et aux bouleversements sociaux. Son oeuvre, traversée par les thèmes du féminisme et de la marginalité, demeure d'une très grande actualité. Ce livre, sous la direction de Florence Tissot, accompagne la première exposition rétrospective d'Agnès Varda, conçue par la Cinémathèque française. Il regroupe des textes de spécialistes français et anglo-saxons, ainsi qu'une filmographie commentée par de nombreuses personnalités. Préfacé par Costa-Gavras, il est illustré de plus de 300 documents (archives, images de films, oeuvres d'art, photographies, etc.), dont de nombreux inédits, provenant en grande partie des archives personnelles d'Agnès Varda conservées à Ciné-Tamaris, la société familiale qu'elle a créée, gérée par Rosalie Varda et Mathieu Demy. Lire la suite Fermer

En 2019, Gilberte Tsaï a invité l'artiste italien Giuseppe Penone à donner une conférence à l'adresse des enfants sur sa pratique artistique de la sculpture. Elle explique sa première rencontre avec son travail au détour d'un sentier : « Il y a une vingtaine d'années, je me promenais dans le parc du Domaine de Kerguehennec, en Bretagne, et au détour d'un chemin, j'ai vu une sculpture qui m'a beaucoup émue. Un être humain en bronze était en mouvement vers l'avant, on pouvait voir au sol les traces de ses pas, et son corps était traversé par un petit arbre frêle. Cette oeuvre, apparaissant comme un symbole de la relation entre les humains et la nature, m'a énormément marquée ; comme cela arrive parfois, on tombe en arrêt devant une oeuvre, on se sent très ému, et elle va vous accompagner toute votre vie. C'est la première oeuvre que j'ai vue de Giuseppe Penone, elle s'intitulait Un sentier decharme. » Dans un texte court et précis, Giuseppe Penone explique sa démarche artistique et plus spécifiquement les liens qu'il entretient avec les éléments qui l'entourent tels que l'air, les pommes de terre, les arbres, les courges, les feuilles : « Un travail de sculpture ce n'est pas un travail de parole, c'est un travail de matière, [...]. Mon travail, au fond est un travail d'émerveillement, par rapport à la réalité, par rapport à la matière. » En se concentrant sur la matérialité de la sculpture dans son travail, il nous permet de suivre ses mains et d'entrer - littéralement - dans le bronze, le bois et le souffle du vent. À la fois poétiques et pratiques, ces pages nous emmènent sur les sentiers de l'un des plus saisissants créateurs de son époque. Lire la suite Fermer

Richard Guino (1890-1973) est un sculpteur catalan né à Gérone où il entame une formation tout aussi précoce que brillante qu'il poursuit à l'École d'art de La Llotja à Barcelone, avant d'entrer dans l'atelier d'Aristide Maillol à Paris, en 1910.
D'emblée, Richard Guino envisage une carrière d'artiste indépendant stimulée par la recherche d'une modernité dont il découvre le langage et qu'il accompagne de ses jeunes convictions. Cariatides, métopes et figures peuplent alors l'atelier qu'il choisit d'installer à Montparnasse, en plein coeur du Paris de l'avant-garde artistique. Par l'entremise du marchand d'art Ambroise Vollard, et dès 1913, il vend deux de ses premières sculptures au collectionneur moscovite Ivan Morozov et conçoit son premier grand modèle sculpté. Ses préoccupations esthétiques sont alors motivées par la question du torse et du fragment, mais aussi par la sensualité du nu dont il renouvelle l'expression sous l'impulsion de Maillol.
Guino n'a que vingt-trois ans lorsque sa pratique virtuose de la sculpture le fait remarquer au point de devenir, de 1913 à 1917, le sculpteur de l'oeuvre d'Auguste Renoir. La renommée du peintre est alors immense et, à l'initiative d'Ambroise Vollard, il accepte de concevoir des sculptures tirées de son répertoire peint qui sont produites en totale collaboration. Le caractère atypique de cette association, qui conjugue peinture et sculpture, devait avoir une incidence déterminante sur la carrière en devenir de Guino qui élargit dès 1919, ses centres d'intérêt aux arts décoratifs. Lire la suite Fermer

Des films de Woody Allen et des frères Coen aux livres de Margaret Atwood en passant par les chansons d'Arcade Fire, les mythologies grecque et romaine constituent une source d'inspiration artistique omniprésente. Les combats face aux dieux, aux monstres et aux destins de leurs héros tour à tour triomphants et tragiques exercent un pouvoir mystérieux sur l'imagination, poussant les artistes à évoquer et réinterpréter ces récits fondateurs. Cet ouvrage réunit les oeuvres d'artistes antiques, modernes et contemporains, inspirées par la mythologie, de Botticelli au Caravage jusqu'à Jeff Koons et Damien Hirst.

Beau-livre sur le catalan Joan Jordà (1929 - 2020), artiste peintre et sculpteur engagé de la Retirada, dont deux expositions se tiendront au Château de Laréole du 2 juin au 4 septembre 2023 et à la galerie 3.1 (Toulouse) du 2 juin au 26 août 2023. L'art de Jordà témoignait quasiment toujours de son engagement contre la violence et les abérrations des pouvoirs totalitaires qui avaient bouleversé sa vie.

Peinture géométrisante d'une extraordinaire modernité et croix aux formes infiniment variées, voilà qui constitue une originalité de l'art éthiopien. Originalité qu'il possède dès ses prémices au ive siècle - déjà alors un précurseur du luminisme bien avant les développements orientaux - et qu'il conserve même après la fin de son Siècle d'or (xve siècle) - marqué par le colorisme des enlumineurs et le graphisme des peintres d'icônes, tous curieux du monde extérieur, en particulier des arts italiens et crétois. Une richesse formidable de motifs et de techniques qui fait de l'Éthiopie le plus créatif acteur de l'art chrétien d'Afrique.Cet ouvrage d'exception met en lumière cet art injustement méconnu. Le relatif isolement de l'Éthiopie a permis à ses artistes d'explorer des voies nourries de spéculations théologiques et ésotériques, qui font les délices des amateurs de nouveautés. Elle se révèle dans ces pages, sans pour autant dévoiler tous ses secrets.Les enquêtes menées par l'auteur depuis un demi-siècle dans plus de 350 églises et la prise en compte des collections hors d'Éthiopie fournissent des illustrations d'une beauté saisissante, pour la plupart inédites. Associées à des analyses nouvelles, dont celles des manuscrits illustrés, peut-être les plus anciens du christianisme, elles apportent un éclairage unique sur cet art foisonnant de chefs-d'oeuvre. Lire la suite Fermer

Tout part de là. De cet arbre si singulier et si emblématique de nos forêts catalanes : le chêne-liège. Le chêne, un arbre fantomatique, rugueux, résistant. Le liège, une écorce crevassée, burinée, matière vivante et protectrice. Tout part de là. De ce liège qui se régénère et que les hommes, du leveur de liège au bouchonnier, ont appris à cultiver et à exploiter. Ce livre est à la croisée des chemins : dans un premier temps on y apprivoise la matière avec les artisans, Franck Sellon, le dernier leveur de liège des Pyrénées-Orientales et Laurent Bauby, l'oenologue. Puis, on regarde la matière différemment avec quelques artistes : artistes d'hier et d'aujourd'hui fascinés et inspirés par le liège. De Joaquim Vicenç Gironella et Claude Massé, les précurseurs, aux contemporains Pere Figueres et Bibi, dans une présentation non exhaustive. Olivier Poggianti, créateur et photographe, investit Diam Bouchage à Céret pour une exposition de sculptures d'image. Quelques textes de Enric Pujol, Serge Bonnery, Jaume Queralt, André Robèr et quelques poésies d'Alain Pottier donnent voix et vie aux sculptures. Bienvenus dans le monde du pop art catalan : celui des ninots, patots, kanyataps, simiots, fétiches et autres totems! Lire la suite Fermer

Conçu comme un face à face encore inédit entre les deux grands sculpteurs qui ont marqué de leur talent l'art moderne, ce catalogue privilégie le dialogue à la confrontation. Bien qu'empruntant des voies contraires, Aristide Maillol et Auguste Rodin surent échanger, et nourrir chacun son art de l'admiration de l'autre.
Ils se rencontrèrent en 1902 mais c'est entre 1904 et 1908 que leur relation fut la plus étroite, soutenue par l'admiration que leur portaient, à tous deux, un mécène comme le comte Kessler ou un critique comme Octave Mirbeau. Leurs échanges épistolaires, leurs écrits, leurs rencontres, leurs recherches formelles, dans le domaine de la sculpture comme dans celui du dessin, tracent autant de chemins qui nous ramènent inlassablement vers la même obsession qui fût, pour l'un comme pour l'autre, le nu féminin.
Mettant en lumière deux approches à l'opposé l'une de l'autre mais traversées par les mêmes leitmotive, ce catalogue nous entraîne dans une réflexion qui nous conduira au coeur de la sculpture.
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Dans l'imaginaire de la sainteté chrétienne, il est peu de cultes et de légendes qui ne soient liés à la présence de reliques. À partir du IVe siècle, la croyance en leur pouvoir miraculeux favorise les découvertes - inventions - des tombeaux des saints oubliés ou peu connus, et la reconnaissance officielle de leur sainteté quand des miracles sont attestés. Le processus de la « fabrique » de légendes se met alors en marche, à grand renfort de récits sur l'histoire des saints présumés, et sur la translation miraculeuse de leur corps retrouvé en un lieu inattendu.
De l'Antiquité tardive à l'époque moderne en Occident, de saint Jacques de Compostelle aux saints inconnus des catacombes romaines, en passant par Marie Madeleine à Vézelay et à Saint-Maximin, Edina Bozoky nous offre la première grande synthèse de la genèse des cultes de sainteté liés aux inventions de reliques, assortie d'une iconographie inédite.
Un remarquable maître-ouvrage.
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Visa pour l'image est un festival international de photojournalisme créé en 1989, par Roger Thérond, le directeur de la rédaction de Paris-Match. Il en avait confié l'organisation à Michel Decron, directeur du journal Photo du groupe Filipacchi. Dirigé par Jean-François Leroy, Visa pour l'image se déroule chaque année dans toute la ville de Perpignan, de fin août à mi-septembre pour une durée de quinze jours, plus une 3e semaine réservée aux scolaires. Il s'agit du plus important festival de photojournalisme public et gratuit au monde, quant à la fréquentation

Le musée d'art moderne de Céret est le fruit des séjours des plus grands artistes du XXe siècle dans la ville et ses alentours : Picasso, Braque, Gris, Soutine, Chagall, Herbin, Matisse... Ce hors-série, véritable support de visite, présente un panorama exhaustif de l'art du siècle passé, du Cubisme à l'Ecole de Paris, du Nouveau Réalisme à Support-Surface.

Les entretiens qui forment la substance de ce livre ont été réalisés entre l'automne 2014 et l'automne 2015. Quatre saisons de rencontres dans les environs de l'aube, autour d'une tasse de café noir. Ces conversations, comme les visages de liège qui en peuplent les pages, riant d'eux-mêmes autant qu'ils se rient de nous, expriment la difficulté que chacun éprouve à se tenir droit dans le monde. À cette angoisse, Claude Massé répond par l'allégresse de l'acte créateur, comme un pied-de-nez à l'inquiétude qui le fonde...

J'ai vécu avec elles pendant plusieurs mois. Tour à tour, je les posais sur la grande table roulante de mon atelier et je poussais celle-ci, avec précaution, jusqu'à la bonne distance de la verrière. Cela n'avait l'air de rien, mais c'était un point précis dans l'espace, un point entre mille. Ensuite, il me fallait trouver le bon angle pour le minuscule appareil numérique que je tenais à la main : un peu plus à gauche, à droite, plus haut, plus bas, plus près, plus loin. Un angle entre mille. Enfin - mais je me faisais peut-être du cinéma - il fallait déclencher au bon moment. Comme si j'attendais que l'argile devienne chair, tel le marbre de Pygmalion, et comme si le miracle ne pouvait s'accomplir que si je l'immortalisais, avec un geste aussi banal que l'instantané de n'importe quel amateur.
Mais j'oublie de dire le principal : à ces instants-là, j'étais amoureux de la Dina d'il y a un siècle, celle qui n'était pas encore née quand Maillol lui a donné forme.» Frank Horvat.
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L'auteur, dessinateur, graphiste et tatoueur, réside et travaille à Perpignan, où il a étudié aux Beaux-Arts dans les années 1990.
Ce livre est sa première publication. C'est une anthologie de dessins à l'encre noire, de formats carrés, abordant des sujet drôles ou graves, détournant parfois des oeuvres classiques, créant à partir de références multiples : artistiques, politiques ou philosophiques.

MA2F, artiste né à perpignan en 1959, est d'un tempérament mêlant son ascendance catalane et sa culture française.
Depuis son enfance, il est habité par l'image d'un objet familier, l'entonnoir.
Il en fit un des éléments privilégiés de son inspiration, parce que l'entonnoir représentait par l'évidence de sa forme hermaphrodite, l'icône absolue de son propre désir de réunification des éléments masculin et féminin qui régissent le monde. Désir qui parcourt toutes ses formules plastiques, de la peinture à la sculpture, des installations au modelage d'objets.
En tant que symbole, l'Entonnoir contient, dans sa seule image déclinée par la volonté d'esthétisme du plasticien, l'Un en Deux. Cette fonction de symbole lui permet de rejoindre concrètement le récit d'Aristophane (dans Le Banquet de Platon) pour qui les Androgynes cherchaient à reconstituer leur entité détruite Par Zeus.
MA2F transforme l'objet, par la magie de l'art en lieu de passage mental de toutes sortes de fantasmes. Par exemple, le 2ISME permet de regarder le monde de deux côtés en même temps; l'union, sur ses tableaux, de la peinture et de la sculpture ; et surtout l'intervention de l'érotisme comme passeur du désir terrestre au désir de l'au-delà.
MA2F proposerait-il un art sulfureux ? Il sera nécessaire de dépasser les apparences pour comprendre que ce qui est proposé à notre regard et à notre réflexion c'est un questionnement sur l'Humain dans sa relation à l'Amour et au Sacré.

Historienne et analyste de l'Art, Catherine Deloncle Saint-Ramon a précédemment publié aux éditions Alter ego « Les pionniers de l'art moderne en pays catalan » (2005), « Une érection salvatrice en gare de Perpignan » (2006), « Pierre Brune, des berges de la Seine aux collines de Céret » (2008).
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Jean Maureille à propos de Mira Perpignan Le thème du « double » a hanté ma vie de créations : sculptures-objets, sculptures de papier, dessins, et bien sûr photographies. Ces créations sont toutes marquées par la spontanéité, la coïncidence, avec une certaine jouissance à saisir l'instant présent.

Et c'est donc au hasard des rues de Perpignan que mon appareil numérique surprend les vitrines et leurs drôles de reflets : le double ainsi créé devient reflet de vie, composition graphique et affective... Image volée à la réalité, avec le clin d'oeil du hasard, étincelle de rêve. Une invitation à porter un autre regard sur les vitrines de la ville. Est-il besoin de dire que ces photographies se présentent sans aucun trucage ni manipulation ?

Les photographies présentées dans ce livre, que j'appelle PHOTOREFLETS, ont été prises en 2008 et 2009 et ont fait l'objet de la sélection Visa Off 2009, Festival de photographies/reportage de Perpignan.

Elles ont été exposées à la galerie Can'Artists sous le titre générique « Mira Perpignan ! » dans le cadre du festival en septembre 2009.

Annie Briet s'est imprégnée du travail de Jean Maureille et propose tout au long du livre sa traduction poétique des photographies présentées. Une façon de mettre en exergue ce qui suscite poésie et rêverie chez celui qui sait observer tout ce que la ville propose à son regard.
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Ces mémoires d'un reporter cameraman devenu réalisateur au temps de la R.T.F. et de l'O.R.T.F, retracent l'évolution d'une télévision balbutiante à l'aube de la création du Journal télévisé, dans un lieu légendaire, 15 rue Cognacq-Jay.

Claude Fayard a cotoyé les plus grands et les personnalités du moment au sein d'émissions emblématiques, des Coulisses de l'Exploit à Cinq colonnes à la Une et à Télé-Dimanche. Il a couvert le couronnement de la reine Elisabeth en 1953, accompagné Christian Dior à New York, vécu la catastrophe de Fréjus, créé l'évènement avec la «caméra embarquée» lors d'un championnat de ski. Il décrit l'avancée de cette révolution dans ses portraits consacrés à Man Ray, Jacques Lartigue, Django Reinhardt, aux Rois de Broadway. autant de réalisations sources de joies souvent illusoires, mais toujours passionnantes comme le sont toutes les aventures. Un demi-siècle d'images.
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Carl Rabus est un post-expressioniste très connu en Allemagne dont l'oeuvre a été considérablement inspirée par son passage dans le camp de St Cyprien en 1940. Ses dessins et linogravures, crus et poétiques, constituent un des premier témoignage du passage des juifs dans les camps du midi de La France dévolus à l'origine à l'internement des Républicains espagnols.
Sur le plan artistique, il se lie d'amitié avec James Ensor, maître spirituel de l'expressionnisme allemand qui influence son travail et fréquente également des cercles comme la Blaue Reiter, Die Brücke, et des artistes comme Kokoschka, Nussbaum compagnon d'infortune sur le camp.