Le livre de Markos Vamvakaris est un témoignage unique sur les évolutions de la société grecque à travers le parcours d'un musicien essentiel dans le développement du rébètiko, musique importée de Turquie, qui est aussi une manière de vivre associée aux marges de la société. Composé à partir d'entretiens - remis en forme de récit - que l'auteur a donnés vers la fin de sa vie, le livre comporte également de nombreuses paroles de chansons, qui, dans leur traduction, donnent une vision très poétique et vivante du rébètiko, musique qui joue le même rôle de chronique sociale en Grèce que le blues ou le flamenco à leurs époques respectives. Un CD inédit de 12 titres de Markos, enregistrés entre 1932 et 1936, compilés et édités en vinyle par Mississippi Records en 2022, complète l'ouvrage. Un glossaire et des notices biographiques assurent une lecture fluide. S'il existe une traduction française publiée à compte d'auteur à Athènes en 2019, devant ses imperfections, nous avons décidé d'en publier une nouvelle respectant plus scrupuleusement le texte original.
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Passionné de musique, Thierry Guitard a constamment évolué dans l'univers du rock. Il a dessiné pour le magazine Rock'n'Folk tous les mois pendant plus de 20 ans et illustré maints pochettes de disques. Cet amour de la musique l'a mené à Londres, il y a 30 ans, où il a rencontré sa compagne actuelle, Miriana Mislov, également passionnée de musique. Aujourd'hui, ils ont décidé de raconter à leur manière des histoires de rockers, avec un regard aiguisé dû à leur expérience dans ce domaine, et à toutes les connaissances et anecdotes récoltées tout au long de leur parcours. L'ouvrage, qui couvre l'histoire du rock des années 1950 à nos jours, se compose d'une quarantaine de textes, et d'autant de dessins, répartis en deux parties. La première partie, « Juke Box », est consacrée à des titres du répertoire rock qui ont une histoire peu banale.
Au travers de ces récits, on (re)découvre l'histoire du rock et de ses protagonistes. La seconde partie, « Faits divers », est composée de petits récits qui nous permettent d'aller plus loin dans cet univers musical, sous un angle choisi. Lire la suite Fermer

Ce livre n'est pas une biographie de Pascal Comelade ; celle-ci a déjà été faite, et bien,
par Pierre Hild (Le Mot & le Reste, 2017). « C'est l'histoire d'une musique. C'est un instrumental.
Qui ne cesse comme tant d'autres de me prouver qu'un instrumental n'est pas qu'une
chanson privée de voix. C'est «Sardana Dels Desemparats», qui en catalan veut dire sardane
des abandonnés. Comelade en a enregistré plusieurs versions tout au long de sa carrière et
c'est autant de balises, d'instantanés de son parcours qu'il nous a laissés.»
À travers ce morceau, Marc Sastre déploie son oreille et son regard de musicien sur le recyclage
de la musique traditionnelle par Pascal Comelade, et en particulier de la sardane,
musique et danse catalanes. Sans tomber dans l'opposition facile mais réelle entre les gens
du Sud et les centralisateurs parisiens, l'auteur retrace son vécu de cette musique et le replace
dans un contexte géo-historique plus vaste. Il nous parle également de l'art de la reprise, de
l'utilisation des instruments et des talents autodidactes.
Nourries d'entretiens menés en 2023 avec le compositeur-interprète, les réflexions de l'auteur
sur la place de Pascal Comelade dans le paysage de la musique d'aujourd'hui nous conduisent
au plus près d'un musicien résolument actuel, maître des 3 ou 4 temps qui propulsent
sa ronde vers l'éternité du rêve.
Deux versions de la «Sardana Dels Desemparats», évoquées dans le texte, figurent sur le
CD accompagnant le livre, ainsi qu'une douzaine de photographies. Lire la suite Fermer

Un panorama unique sur les liens entre histoire, peuple & musique à travers la chanson folk.

En pleine Dépression et New Deal, Alan Lomax et son père John sont missionnés par la Bibliothèque du
Congrès de Washington pour enregistrer le folklore du Sud des États-Unis. Ils transforment l'arrière de leur
voiture afin d'y loger un matériel primitif de gravure de cylindres, et s'arrêtent dans les rues, les bouges, les
exploitations agricoles, les prisons et les églises. Ces innombrables collectages ont été l'occasion de rencontres et
de réflexions, qui sont rassemblées dans ces mémoires, véritable panorama des relations sociales et raciales
dans le Sud des années 1940 et 1950, où un Blanc ne pouvait être «l'ami des nègres».

Ce livre est une compilation de textes réalisée dans les années soixante par Robert Shelton, journaliste au New York Times et biographe de Bob Dylan. La majorité des textes date des années 1945 à 1954 et est d'origine très diverse : articles de journaux, préfaces de recueils de chansons ou notes pour pochettes de disques, opinions écrites au jour le jour constituant une sorte de journal intime, chansons non enregistrées, etc.
Une première édition de cet ouvrage est parue dans la collection «Rock'n'Folk» d'Albin Michel en 1978. Notre édition reprend cette sélection revue par Jacques Vassal, le traducteur (et préfacier) et incorpore 4 textes inédits en français, dont «Blues», long exposé mettant en lumière les connections de Woody Guthrie avec les artistes de blues. Nous reproduisons également en annexe le texte original de 9 chansons emblématiques de Woody Guthrie. Le livre comporte une quarantaine de dessins de l'auteur ainsi qu'une vingtaine de photos. Enfin, le livre sera accompagné d'un CD de 12 titres, tirés de «This is my New York», édité en 2015 par les Archives Woody Guthrie, avec quelques-uns de ses plus célèbres titres («This Land is my Land», «Tom Joad»...) dans des versions différentes. On y retrouve également les Almanac Singers et Ramblin' Jack Elliot interprétant des morceaux de Guthrie.
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LE LIVRE New York, automne 1975. Bob Dylan est de retour à Greenwich Village.
Jeune journaliste pour Rolling Stone, Larry Sloman part en virée avec la bande à Dylan dans les clubs et les fêtes de la ville. Nous assistons grâce à lui à la session d'enregistrement de «Hurricane », la chanson racontant l'histoire de ce boxeur noir accusé d'un triple meurtre et luttant pour son intégrité et son innocence depuis sa cellule. Dylan a lu son livre (Le 16e round à paraître aux Fondeurs de Briques) et lui rend visite en prison. Le 45-tours est diffusé et Bob Dylan décide de reprendre la route, sous la forme inédite pour lui d'une caravane de multiples artistes, non seulement des musiciens mais aussi des saltimbanques, des poètes... Il veut retrouver la saveur des carnivals, ces fêtes foraines de l'étrange sillonnant l'Amérique du Nord pendant sa jeunesse.
L'idée de départ consiste à se produire dans de petites salles du nord-est du continent, en annonçant simplement les représentations sur la radio locale. Néanmoins, très vite, les coûts de production de la tournée, à laquelle s'est adjointe une équipe de tournage (cf. le livre de Sam Shepard, The Rolling Thunder logbook ; les rushs seront récupérés par Dylan qui en tirera son film, Renaldo & Clara), obligent les organisateurs à se tourner vers des lieux plus vastes. D'abord blacklisté par le tour-manager, à force de persévérance passionnée, Sloman gagne un surnom, «Ratso» et une place dans l'entourage des musiciens. S'ensuivent de multiples rencontres et scènes de la vie en tournée avec les prestigieux participants à cette revue : Joan Baez, Robbie Robertson, Joni Mitchell, Allen Ginsberg, Bob Neuwirth, Roger McGuinn, et bien sûr avec Dylan luimême lors de longues conversations. On découvre le beau-frère de Kerouac dans son bar à Lowell, Ginsberg et Dylan se rendant sur la tombe de l'écrivain pour y jouer et chanter un kaddish;
A` Montréal, on est convié pour le dîner chez Leonard Cohen...
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Un instant, j'ai voulu vous suivre, vous voir, respirer ce que j'aurais dû respirer. Mais je suis resté sur la pente. Et j'ai pleuré, pas fort non, mais ruisselant à l'intérieur.
J'entendais des gouttes tomber de très haut, une à une, au fond de mes entrailles déchiquetées. Mon ventre pleurait et mon coeur hurlait, comme quand un coeur hurle à la fin du tout.
Est-ce qu'on meurt d'amour ?

Ce n'est pas un livre sur les groupes mais plutôt sur leur mort, sur celle du rock, de ses agonies comme de ses renaissances, de ses impostures comme de ses vérités. Il y est question de rues, d'envoûtements, de divorces et de retrouvailles. On y croise des fantômes, à moins que ce ne soit des fantasmes. Des anonymes aussi, de ceux et celles qui ont les oreilles abîmées et les pieds brûlés pour avoir trop dansé, et souvent trop cherché.

Pendant longtemps, le flamenco fut un art de transmission orale, préservé essentiellement au sein des dynasties gitanes de Basse-Andalousie. Depuis un siècle, les modifications sociales de l'Espagne ont participé au développement de la musique flamenca de l'avènement du microsillon jusqu'à aujourd'hui. À travers paroles de chants, entretiens et tranches de vie captées sur le vif, l'auteur nous fait approcher les principaux acteurs de la scène flamenca des foisonnantes années 1960 jusqu'à nos jours. C'est l'époque des bouleversements amenés par Camarón de la Isla, Paco de Lucía puis Enrique Morente qui acccompagneront la chute de la dictature. Le livre retrace les relations historiques entre la société espagnole et les interprètes de cette chronique sociale que le cante flamenco colporte. Nous croisons ainsi Antonio Mareina, Farruco, Rancapino, Fernanda de Utrera, et tant d'autres, qui nous plongent dans une tragicomédie gitane, depuis les labeurs des champs et la guerre d'Espagne jusqu'à la vie nomade de musiciens riches de bons mots et d'anecdotes.
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Repartidora de sardanes

Comprendre et répartir la sardane

Richard Goldstein est avant tout un fan de musique. Né à Manhattan en 1944, élevé dans le Bronx, il sera, de son propre aveux, le premier de sa famille à distinguer Hegel d'un bagel ! Sous l'influence de James Joyce et Tom Wolfe, il a vingt-deux ans lorsqu'il propose au Village Voice (co-fondé par Norman Mailer) de tenir une chronique sur l'actualité musicale. Il deviendra ainsi l'un des premiers rock critics à tenir une rubrique régulière, «Pop Eye's». Son style partial et engagé sera sa marque, allant jusqu'à éreinter le Sergent Pepper des Beatles - ce qu'il regrettera plus tard -, ou d'autres icônes du rock. Jusqu'en 1969, il couvre l'essentiel de l'actualité du rock, passant de longues périodes de travail et de défonce en compagnie de Brian Wilson des Beach Boys, du Grateful Dead ou encore des Doors lors de l'enregistrement d'un de leurs disques. Il nouera une relation particulièrement étroite avec Janis Joplin (ce qui explique le titre original de ce livre). La mort de celle-ci en octobre 1970, après celle de Jimi Hendrix le mois précédent (Jim Morrison les suivra en juillet 1971), marque la fin de sa croyance dans le potentiel révolutionnaire du rock'n'roll. Il se tourne alors vers des sujets plus politiques : droits des minorités, noire et homosexuelle en particulier, questions de genre, allant de pair avec son choix d'assumer complètement son homosexualité. Il sera proche de la Factory de Warhol, des Black Panthers et des Yippies, l'organisation d'Abbie Hoffman & Jerry Rubin, tentative iconoclaste de diffuser des idées d'extrême-gauche dans les États-Unis de Nixon. Il dresse un portrait depuis l'intérieur de l'Amérique contestataire de ses rêves et de ses désillusions, avec humour et lucidité.
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Ce livre se déroule comme une joute flamenca, avec comme amphitryon, Camarón de la Isla, (José Monge Cruz de son vrai nom) chanteur de flamenco gitan passé de génie à mythe après sa disparition prématurée en 1992, à l'âge de 42 ans. Afin de s'approcher au plus près du mystère de la voix et de la personnalité du cantaor, l'auteur convoque son entourage : noctambules de vocation, artistes de la faim, gardes du corps empressés, promoteurs peu scrupuleux, guitaristes virtuoses, médecins aux méthodes non orthodoxes, fans grappillant une miette du génie. Et même, quelques, mais bien peu, véritables amis. Cette galerie de portraits, fruit des rencontres de l'auteur, nous fait pénétrer dans les arcanes du monde du flamenco autant que dans l'âme de Camarón.
Révolutionnaire du cante flamenco de la seconde moitié du XXe siècle, Camarón a longtemps collaboré avec l'autre génie de la musique espagnole de son temps, le guitariste Paco de Lucía.
L'auteur revient sur leur relation fraternelle, mais aussi sur la polémique à propos des droits d'auteur des cantes, pour lesquels Camarón s'estimait lésé par la famille de Paco, les Sanchez.
On croise aussi Tomatito, guitariste flamboyant de la seconde partie de la carrière du cantaor et Paco Cepero, le premier accompagnateur du Gitan. Détruit par le tabac, la drogue et les nuits sans fin, Camarón a suscité beaucoup de suiveurs mais aucun héritier n'ayant son talent musical ni son aura. Il reste une étoile dont la voix résonne toujours puissamment aujourd'hui et conserve sa part de mystère impénétrable.
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LE LIVRE contient L'échange des noms - Lettre à Martin Elizondo - Les Aiguiseurs de couteaux - Coplas infinies pour les hommes-taureaux du dimanche - La Dialectique du compas - Photos de la voix pour cinquante cantaors

Pascal Comelade (1955) est pianiste et compositeur.
Après quelques années de pratiques électroniques (1974-1981), il développe une pratique de musiques strictement instrumentales (en solo ou avec son orchestre le Bel Canto Orquestra); musiques qu'il qualifie parfois de «Muzak dégénérée».
En parallèle et depuis des lustres, de façon irrégulière et en absolu dilettante, il produit quelques peintures et autres collages réalisées avec les mains et en couleur la plupart du temps. On y voit des images de tourne-disques morts, des portraits relativement ressemblants de vedettes populaires (Batman, Vince Taylor, Dean Martin...), des scènes de genre, des allégories historiques alliant audace des formes et hardiesse des coloris, des tentatives de représentations de pochettes de disques vinyles (surtout en format 45-tours), des erreurs de perspectives manifestes, le Captain Beefheart sortant d'une poissonnerie, des paysages en braille, de l'abstraction dépressive et du réalisme de Luna-Park métaphysique. On peut citer, pour ce qui est des influences manifestes, les graffitis de vespasiennes, les vignettes Panini, les couverture de publications Elvifrance, le nu artistique, les papier-peints de chambres d'hôtel, les calendriers des PTT, les affiches de catch à quatre et les grandes heures de l'académisme chromatique.
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Placé sous les auspices de William Blake (Le Mariage du ciel et de l'enfer) : « Peut-on dire
d'un homme qu'il est honnête/s'il résiste à son génie ou à sa conscience/dans le seul but
de préserver/son bien-être ou son plaisir du moment ? », ce texte n'est pas une biographie
traditionnelle, plutôt un essai autour de la figure tragique de Jeffrey Lee Pierce (1958-1996),
chanteur du Gun Club, groupe de Los Angeles utilisant l'énergie punk appliquée au blues.
Constitué d'entretiens avec des musiciens ayant collaborés avec J.L. Pierce, d'articles de
presse, d'extraits de l'autobiographie du chanteur, de paroles des chansons et de la mise
en perspective de l'auteur, cette vie est aussi celle de tous ceux qui se sont approchés du
soleil noir du rock'n'roll.

Le second volume de cette anthologie est une sélection d'articles consacrés aux groupes rock français, parus dans le fanzine Nineteen (nommé en hommage à un titre des Dogs) qui, dans les années 1980, s'est fait l'écho de cette effervescence rock'n'roll qui ne se reconnaissait pas dans la new wave ou dans la grosse cavalerie des charts.
Simples étoiles filantes ou références incontournables, ils font que le rock ne se réduit pas à une simple « compensation d'un manque à vivre » ou à une consommation de produits manufacturés pour la jeunesse.
En bonus, un état du rock en 1985 puis en 1986, avec l'exemple des Barrocks (association ayant introduit les concerts rock dans les bars parisiens au milieu des années 1980), et en 2017, avec des entretiens menés par Antoine Madrigal.
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Dans la Barcelone des années 1950 les artistes gitans dont Peret, Antonio Gonzalez "El Pescadilla" et Los Amayas, vont être les créateurs de la rumba gitane catalane, un genre musicale nouveau qui fait partie des nouvelles musiques urbaines de cette époque. La rumba gitane catalane va inonder le monde des musiciens gitans catalans en France. Avec cet ouvrage, Guy Bertrand vient concrétiser des années de recherche et de réflexion menées en collaboration avec des personnalités musicales de la communauté gitane. Cet ouvrage nous fait découvrir les remarquables photographies de Jean Ribière, Jacques Léonard, Pierre Parcé, Gilles Bouquillon, Pierre Corratgé, Lucille Reybos, Raymond Roig, Georges Bartoli, Garth Beattie, Robert Caron, Christian Boisseaux Chical et Jesco Denzel. Ils ont capté des moments uniques de la vie des acteur de la rumba en France et en Catalogne. Rédigé en Français, cet ouvrage présent simultanément la traduction en catalan et en occitan.
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Le Festival Pablo Casals approche les trois quarts de siècle. Un Festival né en 1950 à Prades dans ce village catalan où Pau Casals avait décidé de vivre en exil et de faire silence pour montrer son opposition au régime franquiste. Il était alors un violoncelliste de premier plan, un chef d'orchestre et un compositeur universellement reconnu, le membre du mythique trio Cortot, Casals, Thibaud.
À l'occasion du bicentenaire de J.S Bach, ses amis musiciens américains, qui connaissaient tous l'adoration que le maître éprouvait pour Bach, le poussèrent à célébrer cet anniversaire. Ainsi naquit une série de concerts qui ne portait pas encore le nom de festival, et qui se déroula dans l'église Saint-Pierre de Prades.
La sobriété imposante et majestueuse des églises romanes du Conflent devint très vite l'écrin de sublimes concerts. L'Abbaye Saint-Michel de Cuxa, alors partiellement en ruines, devenue le lieu mythique du Festival, accueille au fil des décennies, d'éminents artistes venant de tous les coins du monde. Le festival Pau Casals de Prades devient indiscutablement un des plus grands festivals de musique de chambre au monde. Après le départ de Pau Casals, le festival sera porté par divers directeurs artistiques (dont on retiendra les 30 années de la direction de Michel Lethiec et le passage de flambeau en 2020 à Pierre Bleuse) qui enrichiront et marqueront de leur empreinte l'héritage de Pau Casals.
Dans cet ouvrage abondamment illustré, l'auteur retracera également l'évolution du rôle d'acteur culturel local du festival qui attire et séduit chaque été un public international, par une programmation originale qui mêle répertoires classique et contemporain.
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Depuis son premier disque publié en 1975, Pascal Comelade a tracé un parcours musical unique en France. Cet enfant de la frénésie rock des années 60 et 70 a déployé une oeuvre profuse incluant de nombreuses collaborations avec notamment Richard Pinhas, P.J.
Harvey ou Robert Wyatt. Ses compositions évoquent, suivant les époques et les mélanges, La Monte Young, MC5, Erik Satie, Captain Beefheart, Ennio Morricone, Suicide, etc. Ses thèmes instrumentaux ont aussi accompagné de nombreux films, ballets, et travaux de plasticiens - de Bob Wilson à Miquel Barcelo. Du folklore à l'underground, de la pataphysique au riff, de la musique répétitive aux instruments- jouets, voici une autre histoire, personnelle, comme un plat combiné toujours recomposé, de la musique de l'après-guerre à aujourd'hui.
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Virtuoses du piano nés tous deux en Catalogne, Albéniz et Granados ont contribué à l'émergence d'une musique authentiquement espagnole, qui a rapidement conquis le monde musical. Isaac Albéniz (1860-1909), pianiste précoce comparé à Rubinstein, rencontre Franz Liszt et enseigne le piano à la Schola Cantorum de Paris. Ses compositions sont principalement pianistiques (Chants d'Espagne, Suite Espagnole, Navarre, Ibéria, ...) mais côtoient aussi des zarzuelas (Pepita Jiménez) et des opéras (Merlin, Henry Clifford).
Ayant longtemps vécu à Paris et mort à Cambo-les-Bains, Albéniz est désormais inhumé à Barcelone. Enrique Granados (1867-1916) s'est rapidement imposé comme un pianiste virtuose autant qu'un compositeur prolifique (danses, tonadillas, zarzuelas, ...). Son goût pour les oeuvres du peintre Goya lui a inspiré une suite et un opéra évidemment intitulés Goyescas, qu'il promouvait dans le monde entier quand un tragique naufrage lui coûta prématurément la vie, ainsi qu'à son épouse.
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La rumba catalane est une musique vivante, dynamique, aux racines populaires et urbaines qui a émergé en Catalogne au milieu du XXe siècle. Elle est le résultat d'un processus continu de croisement et d'appropriation de diverses traditions musicales comme le flamenco, les chants mélismatiques du pourtour méditerranéen et les musiques populaires du continent américain. Malgré une diffusion internationale, la rumba catalane et par extension la culture gitane, souffrent de représentations négatives et folklorisantes. Approche anthropologique, musicologique et artistique des rumbas... Pour une inscription de la rumba catalane sur la liste du Patrimoine Culturel Immatériel de l'UNESCO volume 2 vient clore une série de conférences et de recherches ethnographiques, historiques, musicologiques et sociologiques concernant l'émergence, la diffusion et la transmission de la rumba catalane. Cet ouvrage complète les précédentes publications et nous propose un nouveau point de vue sur les marqueurs culturels et sociaux propres à la rumba et la culture gitane. Ce corpus de données, ainsi constitué, vient éclairer et appuyer notre réflexion pour l'inscription de la rumba à l'inventaire national.
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La sardane c'est la danse des Catalans. C'est aussi leur musique, interprétée par leur cobla. Ce lien historique et patrimonial qui unit un peuple à une danse et à une musique est assez exceptionnel. Le présent ouvrage a l'ambition de faire découvrir au lecteur ce monde complexe en s'appuyant sur des études scientifiques, des témoignages et une riche iconographie. Un lien historique que l'on voit se former, se renforcer ou se distendre suivant les aléas de l'histoire de cette communauté séparée. À la lecture des textes on est frappé par le va-et-vient, l'osmose et la continuité des relations Nord/Sud, entre les musiciens, les compositeurs, les danseurs du XIXe au XXIe siècle. L'évolution et la transmission de la danse, de la musique et des instruments se jouent de la frontière : de Pep Ventura à V. et A. Toron, de Viladesau à Max Havart, de Girona à Perpignan, de l'Empordà au Vallespir. Un lien patrimonial vivant, danse et musique se transforment, les instruments (perdus et/ou retrouvés) se modernisent, le répertoire pour cobla évolue et s'enrichit, les musiciens se perfectionnent, les figures et les rythmes se renouvellent, l'enseignement fait son apparition. Cette danse venue du fond des âges et des croyances des hommes intègre au cercle magique des danseurs, les musiciens, compositeurs, artistes, peintres, sculpteurs, poètes, écrivains d'ici et d'ailleurs dans une ferveur créatrice. On est fasciné par la solidité du lien qui unit les bras des danseurs et des danseuses qui se connaissent ou pas, et permet à la ronde de tenir au rythme soutenu et puissant des instruments de la cobla. On comprend mieux en refermant ce livre, pourquoi les Catalans l'ont choisie comme symbole de leur communauté, droite, fière, ouverte, humaine et vivante.
Ouvrage collectif sous la direction de Michelle Pernelle Archiviste municipale Ville de Perpignan Auteurs Josianne Cabanas Historienne Hyacinthe Carrera Professeur de littérature UPVD Éric Fourcade Spécialiste en ingénierie culturelle Frédéric Guisset Musicien compositeur Enseignant CRR PMM Oriol Lluis-Gual Ethnologue Pierre Jordà-Manaut Flûtier Pere Manzanares Fondateur de Radio Arrels Olivier Marques Musicien compositeur Abbé Joseph Marty Chanoine titulaire de la cathédrale Saint-Jean-Baptiste Docteur en théologie et lettres Josep Playà Maset Periodista de La Vanguardia Jean-Louis Pérez Musicien Michelle Pernelle Archiviste municipale Ville de Perpignan Martine Stahl-Parnaud Responsable du fonds iconographique des archives municipales Camille Fourquet Michel Tignères Musicien compositeur Enseignant CRR PMM Marie-Claude Valaison Conservateur en chef honoraire Vincent Vidalou Musicien, enseignant CRR PMM.
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Dans leurs interviews aussi, les artistes de jazz improvisent. La langue de bois, les propos formatés, ce n'est pas leur genre. Ils s'expriment avec passion et humilité leur art, leur métier, leur parcours, leur détermination, leurs doutes. En plus de vingt ans, Jean-Louis Lemarchand a rencontré plus d'une centaine d'interprètes de jazz. Les 32 entretiens sélectionnés et présentés ici permettent de découvrir sous un angle nouveau, personnel, intime, humoristique, des jazz(wo)men qui marquent l'histoire contemporaine du jazz.
Ornette Coleman en quête permanente du " son ", Michel Portal éternel insatisfait, Michel Petrucciani, amoureux de la vie (et des gnocchi...) Ahmad Jamal serein - et admirateur de Napoléon, Gilberto Gil fan de foot et militant de l'environnement, Melody Gardot expliquant sa conversion de Chopin à Ellington, Ray Barretto vantant la qualité d'écoute du public français, Herbie Hancock plaidant pour la " world music ", René Urtreger revendiquant le droit à la fausse note, Dee Dee Bridge ater s'enthousiasmant pour Edith Piaf et Léo Ferré, Archie Shepp et John McLaughlin évoquant Coltrane et Miles... Une chronique des deux dernières décennies du jazz, menée sur un rythme enlevé qui lève une partie du voile sur les aspirations et la condition de ces artistes singuliers aux talents pluriels, les musiciens de jazz.

Membre de l'Académie du Jazz, Jean-Louis Lemarchand apporte depuis les années 90 des chroniques à plusieurs médias de la presse écrite (La Tribune, VSD, L'Expansion, France Soir, Pleine Vie, les DNJ). Il est l'auteur de " Ce-jour là sur la planète jazz " publié en 2013 aux Editions
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