Au même titre que celle de Picasso, l'oeuvre de Joan Miró, par sa liberté créatrice et son iconoclasme latent, occupe au XXe siècle une place inédite qui lui confère la stature du mythe et l'élève au rang de l'universalité.
Ancrée dans la terre catalane de son enfance, elle voit le jour dans les années 1910 avec les peintures dites « détaillistes » de Montroig, scènes réalistes et paysannes qui retiennent la leçon de l'art naïf et du cubisme naissant.
Miró connaît la consécration au milieu des années 1920 avec ses « peintures de rêve » dont la magie poétique séduit les surréalistes tels que Robert Desnos et Michel Leiris. Posant un regard tantôt émerveillé, tantôt plus sombre sur le monde qui l'entoure, Miró donne progressivement corps à ce que son biographe, le poète Jacques Dupin a élégamment quali²é de « Mirómonde ».
À partir de 1954, l'installation à Palma de Majorque marque un nouveau tournant dans l'oeuvre de Miró. Dans cette période de créativité intense, sa peinture se métamorphose, devient de plus en plus gestuelle, directe et n'est pas sans évoquer les «¨Peintures sauvages» nées dans les années 1930 dans le contexte de la montée du nazisme.
Portant sur un ensemble de près de 90 oeuvres réalisées dans les années 1960-1970, la dernière période de création de l'artiste est particulièrement bien représentée dans les collections du Musée national d'art moderne/Centre Pompidou. Lire la suite Fermer

De la vida mia est un voyage dans la vie et l'oeuvre de Miquel Barceló, peintre catalan foisonnant et internationalement reconnu. Ce pourrait être le titre d'un de ses tableaux. Pour la première fois, il se raconte et construit son autoportrait à travers ses carnets, ses peintures, ses dessins, ses différents ateliers : à Paris, à Majorque et pendant longtemps au Mali, en pays dogon. On y trouve des couleurs et de la terre, des visages, des poissons, des fruits, du sable, des animaux, des grottes, des livres, des objets, un rhinocéros. Et aussi la Méditerranée, un corps et sa mémoire, un enfant et son bateau, un peintre questionnant ses gestes et son art. Miquel Barceló nous invite à entrer dans les coulisses de son oeuvre : «Majorque est mon île de naissance, je suis né d'elle. J'ai tout appris de mon enfance. La mer, c'est ma respiration. Mon corps fait partie de la nature.» Lire la suite Fermer

Monographie sur l'oeuvre de Francisco de Goya permettant d'appréhender l'évolution de son travail artistique.
Portraitiste officiel de la cour, Francisco de Goya (1746-1828) demeure l'un des plus importants peintres et graveur qu'ait connu l'Espagne. Des cartons pour tapisserie aux peintures religieuses, des satires sociales aux peintures noires, il a su sans cesse renouveler ses sujets tout en manifestant un engagement politique marqué. De cette époque en crise naîtront ses oeuvres les plus célèbres, scènes fantastiques peuplées de monstres inquiétants. " Nul n'a osé plus que lui dans le sens de l'absurde possible ", disait Charles Baudelaire.

Languages : Fr. En. Es.

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Official portraitist of the court, Francisco de Goya (1746-1828) remains one of the most important painters and engravers that Spain has ever known. From cartoons for tapestries to religious paintings, from social satires to black paintings, he knew how to constantly renew his subjects while showing a marked political commitment. His most famous works, fantastic scenes populated by disturbing monsters, were born of this period of crisis. "No one has dared more than him in the sense of the possible absurd", said Charles Baudelaire.

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El retratista oficial de la corte Francisco de Goya (1746-1828) sigue siendo uno de los pintores y grabadores mas importantes que ha conocido Espana. De los cartones para tapices a las pinturas religiosas, de las satiras sociales a las pinturas negras, renovó constantemente sus temas al tiempo que mostraba un marcado compromiso politico. Sus obras mas famosas, escenas fantasticas pobladas por inquietantes monstruos, surgieron de este periodo de crisis. "Nadie se ha atrevido mas que él en el sentido de lo absurdo posible", dijo Charles Baudelaire. Lire la suite Fermer

Ce catalogue présente l'exposition estivale du musée Soulages à Rodez. Alexander Calder est l'un des maîtres incontestés de la sculpture mondiale du XXe siècle. Ses oeuvres, des plus petites aux plus grandes dimensions, allient la légèreté, l'aérien, et le métal que l'on assemble. Dans un monde délicat fait d'instabilité entre ciel et terre, Calder trouve un précieux équilibre des formes tout en exaltant le mouvement. Créateur des célèbres sculptures en mouvement, notamment Stabiles et Mobiles, il est l'inventif «fil-de-feriste» qui réalisa à partir des années 1920, modestement, des figurines de cirque, des animaux, des personnages, des visages, pour inscrire ensuite, naturellement, au fil des ans, sa sculpture dans un art cinétique, mouvement par lui-même.

LE LIVRE « Beatus de Saint-Sever » pour les uns, « latin 8878 » pour les autres : derrie re ces de nominations de convention se cache un joyau patrimonial d'une extraordinaire richesse textuelle et artistique. De dimensions imposantes, ce manuscrit a e te re alise au XIe sie cle dans l'abbaye gasconne de Saint-Sever. Son commanditaire, l'abbe Gre goire de Montaner, en a minutieusement orchestre la conception. Le re sultat est un ensemble de textes en latin et d'images organise autour de l'Apocalypse de saint Jean commente e par un moine espagnol du VIIIe sie cle, Beatus de Lie bana. Le cycle iconographique est, pour sa part, l'un des plus importants que nous ait le gue s le Moyen A ge. Par leur aspect monumental, leurs couleurs vives, leur ornementation foisonnante et leur esthe tique disruptive, ses luxueuses peintures ont imme diatement suscite une fascination qui perdure encore aujourd'hui. L'e tude mene e dans cet ouvrage, collective et collaborative, tente de rendre compte de toute la richesse et de toute la complexite du Beatus de Saint-Sever, une oeuvre totale qui, comme tous les chefs-d'oeuvre, a e te et demeure encore une source d'inspiration fe conde.

SPE CIFICATIONS Un coffret toile , avec vignette illustre e et marquage : Le fac-simile 27,5 × 37 cm, 592 pages et 592 illustrations couleurs Papier Munken Pure 150 g, sous couverture toile e avec vignette illustre e et marquage Le livre de commentaires 23,1 × 29 cm, 256 pages et 230 illustrations couleurs Papier Magno Natural 150 g, relie en toile avec vignette illustre e et marquage Lire la suite Fermer

Découvrez la peinture espagnole de 1665 à 1920 à travers cet ouvrage.
La peinture espagnole est à son apogée au XVIIe, c'est ce que l'on nomme l'âge d'or.
La décadence de la peinture commença sous le règne de Charles II, aucun artiste n'est remarqué en cette période. La fin du XVIIe ne produisit qu'un artiste de talent, Carreno. Ferdinand VI établit à Madrid une Académie de peinture, d'architecture et de sculpture. Raphaël Mengs est nommé par Charles III, en 1761, surintendant général des beaux-arts. Un de ses élèves, Luis Paret y Alcazar, peint avec talent des paysages, des ports espagnols et d'agréables sujets d'intérieur. Admiré pour ses gravures, le peintre espagnol Francisco de Goya est un artiste majeur de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle. Figure du préromantisme, Goya a marqué l'art par son originalité. Après sa mort, les peintres reviennent aux sujets populaires. Dans la seconde moitié du XIXe, une nouvelle période s'est alors ouverte au cours de laquelle la peinture d'histoire retrouve ses lettres de noblesse. Quant à la peinture de genre et de paysage, les artistes Mariano Fortuny et Zamacoïs deviennnent célèbres. Plusieurs artistes espagnols obtinrent des récompenses à l'Exposition universelle de 1889. Enfin, au début du XXe, la peinture espagnole entre dans le modernisme. Avec le nom de Modernisme on désigne la période de l'histoire de l'art située entre l'impressionnisme et le premières avant-gardes ; on peut le situer entre 1890 et 1910, et en Catalogne. Ce phénomène culturel et artistique a coïncidé avec le développement social et politique d'une bourgeoisie catalane qui, avec le Modernisme, a trouvé un moyen de se démarquer.

Dans ce livre vous découvrirez l'âge d'or de la peinture espagnole, le peintre Murillo, la peinture dans les colonies de l'Amérique latine, celle à l'époque des bourbons, les peintres célèbres tels Meléndez et Goya, le classicisme et le romantisme, l'Historiscisme et l'académisme, le peintre Fortuny, l'école d'Olot, les premiers pas de la peinture moderne, les peintres Bastida et Nonnell. Lire la suite Fermer

L'oeuvre de Rodin et celle de Maillol s'inscrivent sous le signe d'un dialogue éternel entre l'art du mouvement et celui du repos, le dynamique et le statique, le romantique et le classique. C'est ce que nous révèle le contraste de leurs grandes sculptures, exposées face à face, La Porte de l'enfer et Harmonie, Les Trois Ombres et Les Trois Nymphes, Le Penseur et La Pensée, Iris et La Montagne, L'Appel aux armes et La Douleur ou bien encore L'Homme qui marche et Pomone aux bras tombants.
Réunir ces deux génies de la sculpture dans un même ouvrage, c'est donc se donner les moyens de comprendre, en profondeur, leurs choix artistiques. Car Rodin et Maillol ont emprunté, chacun, des chemins esthétiques contraires. Le premier a opté pour l'esthétique du sublime, faite de démesure, d'expressions terribles, violentes, torturées, de souffrance, de quête de l'infini et de transcendance tandis que le second s'est orienté vers l'esthétique classique du beau, dominée par un idéal de mesure, de douceur et de quiétude.
En l'inscrivant dans la perspective du temps long de l'histoire de l'art, cet ouvrage propose donc d'éclairer le sens profond du projet artistique des deux grands sculpteurs. Il reproduit, en plus d'un dialogue entre leurs oeuvres, un dialogue entre leurs idées, exposées à partir de livres d'entretiens passionnants, où se révèle une extraordinaire qualité de pensée. Car ces deux immenses artistes étaient aussi des hommes d'une vaste érudition, chacun possédant une philosophie personnelle, c'est-à-dire, une vision spécifique du monde.
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Un trait de côte, Canet-Collioure-Banyuls, comme un concentré d'espace. Une date, 1940, comme un précipité d'histoire.
De nombreux artistes accostent les rivages catalans et mêlent sur ses chemins leurs destinées. Qu'ils se cachent, espèrent l'exil, connaissent les camps, militent, résistent ou collaborent, tous, par leur art, témoignent d'une époque qui ne supporte aucun raccourci.
Espace frontalier, zone libre puis occupée, porte ouverte vers un possible départ ou lieu clos de l'enfermement, cette côte, de Canet à Banyuls, devient un territoire en lutte.
Depuis Collioure, Babel des arts, le musée de Collioure poursuit son exploration des pans méconnus de l'histoire artistique de la Côte vermeille.
Avec ce nouvel ouvrage, le musée plonge dans les eaux troubles d'une année sombre, qui transforme un front de mer en véritable front de guerre. Lire la suite Fermer

Peintres et doreurs en Roussillon aux XVIIe et XVIIIe siècles, est un travail de synthèse au carrefour de l'histoire sociale, de l'histoire culturelle et de l'histoire du goût, qui nous restitue la réalité des métiers de peintre et de doreur dans une Province d'Ancien Régime, traitée dans son ensemble.

La première partie s'intéresse au métier et à son organisation (la corporation, l'apprentissage, la réglementation de la concurrence. ). La deuxième partie analyse les métiers de peintre et de doreur, séparés vers 1675-1680, dans l'estudi et sur les chantiers (techniques, commandes, salaires, commerce, goûts. ) ; un quotidien qui n'est pas toujours facile et peintres et doreurs ne s'enrichissent guère.
Un profil de l'atelier des Guerra (qui est la base du catalogue de l'exposition ci-dessous évoquée) complète l'information. L'auteur termine l'ouvrage par un outil documentaire tout à fait remarquable et inédit, un dictionnaire biographique des peintres et doreurs dont il a retrouvé les traces, importantes ou menues au cours de sa recherche. Julien Lugand après avoir dépouillé un énorme corpus d'archives et mené une enquête exhaustive, nous présente des conclusions réalistes et courageuses avec des questionnements intelligents.
Un livre qui ouvre des pistes et des comparaisons dans les champs de la sociologie de l'art et de l'histoire culturelle.
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Première  exposition  temporaire  du  nouveau  musée  d'art  Hyacinthe  Rigaud,  celle-­-ci  bénéficie  du soutien  et  de  la  dynamique  du  projet  «  Picasso  Méditerranée  »,  initié  par  le  musée  Picasso-­-Paris et  qui  fédère  de  nombreuses  initiatives  sur  l'ensemble  du  pourtour  méditerranéen.
La  période  des  séjours  perpignanais  correspond  à  une  rupture  à  la  fois  personnelle  et  esthétique de  Picasso.  Aux  portes  de  la  France  et  de  la  Catalogne,  Perpignan  joue  pleinement  dans  l'oeuvre et  la  vie  du  Maître  ce  rôle  de  passage  d'un  pays  à  un  autre.
Tout  d'abord  sur  le  plan  personnel,  l'hôtel  de  Lazerme  est  le  théâtre  du  basculement  amoureux.
Françoise  Gilot  le  quitte,  emmenant  avec  elle  Claude  et  Paloma,  ses  enfants,  tandis  que  rentre dans  sa  vie  Jacqueline  Roque.  Ce  basculement  est  la  préface  au  retrait  au  monde  de  Picasso  qui,   à  Cannes  puis  à  Mougins,  va  vivre  reclus  au  côté  de  sa  dernière  compagne.

Sur  le  plan  esthétique  arrive  l'heure  de  se  confronter  aux  grands maîtres.  Au  sommet  de  sa  gloire,  courtisé  de  toutes  parts,  Picasso  se repose  à  Perpignan,  plus  enclin  à  participer  aux  fêtes  et  aux  corridas qu'à  travailler  dans  l'atelier  que  lui  aménage  Jacques  de  Lazerme  au deuxième  étage  de  son  hôtel  particulier.  Il  réalise  pourtant  quelques beaux  portraits  de  son  hôtesse,  Paule  de  Lazerme,  de  sa  confidente, Totote  Manolo  et  de  sa  fille  adoptive,  Rosita.  Perpignan  semble  être davantage  un  incubateur  qu'un  lieu  de  création.
Son  goût  pour  la  céramique  le  pousse  à  rencontrer  Firmin  Bauby, créateur  de  l'atelier  perpignanais  de  Sant-­-Vicens,  mais  aucune  oeuvre ne  semble  avoir  été  décorée  par  le  pinceau  du  Maître  et  cuite  à Perpignan.  Un  pichet  dédicacé  par  Picasso  à  l'ami  Bauby  signale l'amitié  entre  les  deux  hommes.
Il  fait  revêtir  à  Paule  au  moment  de  la  portraiturer  le  costume traditionnel  de  la  catalane  et  lorsque,  facétieux,  il  pose  sous  l'objectif de  Raymond  Fabre,  il  se  coiffe  de  la  barretina  traditionnelle.
Enfin,  sur  le  plan  identitaire,  ce  séjour  touche  Picasso  par  la  catalanité encore  palpable  de  ce  territoire.  Il  se  rendra  au  sommet  du  pic  de Fontfrède  depuis  lequel  il  découvre  la  Catalogne  du  Sud  toute  proche.
Picasso  revoit  alors  pour  la  première  fois  son  pays  depuis  la  guerre civile  :  «  Pourquoi  faut-­-il  qu'il  y  ait  ici  une  frontière  ?  C'est  la  même terre,  les  mêmes  gens,  la  même  langue...  »  s'exclame-­-t-­-il  alors
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« Lena, les désordres du Caravage » est le quatrième livre publié par les éditions Alter Ego sous la signature de Michel Arcens. La nouvelle qui donne son titre à ce recueil composé au total de huit textes est consacrée à l'oeuvre du peintre, à sa vie et plus profondément sans doute à sa conception du monde et de l'existence. Le livre s'ouvre sur une nouvelle intitulée « Sur le chemin de Santa Pau », fiction qui se déroule dans le sud de la France ainsi que dans la Catalogne du XIII° siècle à laquelle ce récit rend un vibrant hommage. Les nouvelles qui ont été ici rassemblées portent sur des thèmes qui peuvent sembler très différents comme, par exemple, les migrations (« Un long voyage »), le séjour de Paul Gauguin à Hiva Hoa (« Une sorte de bleu »), ou encore la maternité (« Pourvoir »). Pourtant, en deçà de ces diversités, voire de ces hétérogénéités apparentes, un lien constant pourrait faire de ce livre une sorte de récit unique : celui de l'existence de chacune et de chacun, telle qu'elle est avant tout une sorte de don, de don de soi sans attente du moindre retour. « Lena » nous dit à sa façon, de multiples manières, que ce n'est qu'ainsi que la vie peut réellement être vécue, au-delà des drames ou des douleurs les plus actuelles, les plus contemporaines, qui la frappent si souvent.
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Grande figure musicale du XXe siècle, Pablo Casals (1876-1973) a porté le violoncelle au premier rang de l'orchestre classique et révolutionné sa technique. Contemporain de Charles Lamoureux, Richard Strauss et Albéniz et Granados, Saint-Saëns et Fauré et aussi d'Ysaye, Menuhin, Furtwängler il fut l'un des plus grands interprètes de son temps, un chef éminent, un compositeur fécond, créateur de l'orchestre Pau Casals qu'il dirigea de 1910 à 1937 et du légendaire trio Cortot-Thibaud-Casals qu'il anima de 1906 à 1933.
Homme de convictions, épris de liberté, combattant opiniâtre des dictatures, il refuse de jouer en Union soviétique dès 1917, en Allemagne à l'avènement d'Hitler en 1933, en Espagne à la victoire de Franco en 1939, puis dans tous les pays qui, aux lendemains de la guerre, pactisent avec l'Espagne franquiste. Exilé à Prades, dans les Pyrénées-Orientales, de 1939 à 1956, il se consacre au secours des réfugiés catalans.
En 1950, devant son refus d'interrompre son exil, les musiciens du monde entier se déplacent dans les Pyrénées pour célébrer avec lui le 200e anniversaire de la mort de Bach. C'est le premier festival de Prades, le premier d'une longue série.
S'appuyant sur des sources inédites, cette première biographie en français reconstitue une existence exceptionnelle qui éclaire l'histoire musicale, culturelle et politique du XXe siècle. Lire la suite Fermer

Embarquement immédiat pour un voyage - lumineux, enchanté, coloré - sur le dos des vagues de la mer Méditerranée. Avec ce livre - premier du genre en France -, vous allez en effet voguer pour admirer 250 kilomètres d'une fascinante beauté... Le golfe du Lion abrite de véritables trésors que des générations de peintres ont su sublimer : petits ports de pêche, lagunes au clair de lune, voiliers et barques, phares et plages, calanques et cabanes, dunes et criques...
Les auteurs de ce livre ont ainsi sélectionné plus de 300 tableaux d'artistes célèbres ou moins connus qui ont immortalisé, au fil des siècles, ces paysages et cette histoire millénaire trop souvent oubliés. Une odyssée qui donne envie de larguer les amarres et de s'émerveiller !
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L'aquarelle demande du temps et de la sérénité.
Mais j'ai toujours été un homme pressé, tendu et souvent inquiet...
On m'avait surnommé « Zébulon »...
... Peindre pour garder au coeur l'amour de la beauté sans lequel aucune fraternité humaine ne peut survivre, Peindre comme on sourit à la vie et vouloir toujours trouver un but sur l'horizon, Peindre et écrire pour retarder le temps de l'oubli mais accepter notre trace éphémère, Et jusqu'au dernier souffle essayer d'exister...

: 2 700 notices biographiques d'artistes, augmentées de l'intégralité de leurs participations aux salons nationaux et provinciaux.

Une centaine de photos couvrant les années 1965 à 1975 nous convie à un voyage dans les méandres de l'ego de cet éternel Narcisse. De Céret à Perpignan (à la gare bien sûr) de Figueres à Portlligat, mais aussi de Paris à New York.
Edition trilingue français / catalan / castillan.

C'est la marche du cerveau matissien que Jean-Pierre Barou suit pas à pas ici, quand loin de Paris, durant cet été 1905, l'artiste fauve se déleste des lois de l'impressionnisme, de la notion d'école, des règles du plaisir rétinien, «abîmant tout» pour fonder un nouvel art de peindre et de vivre. Et pour ce faire, les influences de Cézanne et de Gauguin se feront sentir...

L'auteur présente l'architecture fortifiée médiévale à travers l'exemple de l'âge d'or des châteaux et forteresses dans l'Hérault (Carcassonne), l'Ariège (Montségur), et les Pyrénées Orientales (Perpignan). De nombreuses cartes et plans permettent de découvrir les techniques de construction et les aménagements des sites dans leur contexte historique.

Premier livre interactif de l'histoire de l'art, Collioure couleurs Matisse s'attache à créer du lien entre le lieu, l'artiste - ici la période Collioure 1905- 1914 et Henri Matisse - et les musées du monde entier où sont accrochés les toiles de l'artiste.
Connecté aux meilleurs sources sur le sujet, vous circulerez dans Collioure, accompagné par le regard d'Henri Matisse, qui accède à la pleine maturité de son art et célèbre le Fauvisme lors de l'été 1905 portée par la puissance de fascination de cette belle ville catalane.
Ensuite, vous franchirez avec lui les étapes fondamentales de ses recherches lors de ses séjours en 1906, 1907, 1911 et 1914.
Conduit par l'auteur Anne Carrère, vous explorerez les tendances majeures et expressives qui sont propres à définir le devenir du génie Matissien.
à l'aide de pictogrammes (flashcodes, vous invitant à un accès direct vers des sources d'informations sélectives et complémentaires à la thématique du livre, tour à tour lecteur et acteur, vous naviguerez sur des liens pertinents.
L'appel flashcodé propose un atout supplémentaire dont vous usez ou non, en toute liberté.
Un troisième niveau d'intérêt réside dans une découverte pleine d'émotions toute personnelle à l'auteur dont le coeur est teinté des reflets de la perle de la côte rocheuse.
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Les journées d'études La diffusion de la peinture baroque de Gênes à Majorque (Perpignan, 4-5-6 avril 2006) furent organisées à l'occasion de l'exposition consacrée aux Guerra, Guerra et la peinture baroque en Catalogne aux XVIIe et XVIIIe siècles (Perpignan, Palais des Rois de Majorque, Novembre 2005-Septembre 2006). L'objet de cette exposition était double : d'une part évoquer cette dynastie de trois peintres oubliée de l'historiographie, et rédiger le premier catalogue de l'oeuvre de chacun en les situant dans la réalité économique, sociale et artistique de leur temps ; de l'autre, aborder le thème de la conservation-restauration des oeuvres, partie de l'exposition consacrée à des aspects techniques - altérations, préparations, pigments. - que le Centre de Conservation Restauration du Patrimoine du Conseil général des Pyrénées-Orientales sous la responsabilité de Jean-Bernard Mathon, a pu observer et étudier lors de la restauration des oeuvres. Il fut décidé de croiser, au cours de ces journées, ces deux approches - histoire de l'art et conservation restauration. Comparer à des foyers voisins ce qui avait été étudié dans le Roussillon, dans une aire culturelle certes étendue mais homogène : un arc méditerranéen passant par la Ligurie, la Provence, le Languedoc, la Catalogne. et Paris (pour un Rigaud catalan de naissance), afin de mieux cerner les similitudes et les différences dans la production de ces provinces. Autant de points de vue, d'éclairages, de méthodes, rendus possibles grâce à la richesse de ces foyers parfois considérés comme périphériques.
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