Guy Tosatto
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Miró : Un brasier de signes ; La collection du Centre Pompidou
Guy Tosatto, Aurelie Verdier, Anne Foucault, Juan josé Lahuerta, Guitemie Maldonado
- In Fine éditions d'art
- 2 Mai 2024
- 9782382031810
Au même titre que celle de Picasso, l'oeuvre de Joan Miró, par sa liberté créatrice et son iconoclasme latent, occupe au XXe siècle une place inédite qui lui confère la stature du mythe et l'élève au rang de l'universalité.
Ancrée dans la terre catalane de son enfance, elle voit le jour dans les années 1910 avec les peintures dites « détaillistes » de Montroig, scènes réalistes et paysannes qui retiennent la leçon de l'art naïf et du cubisme naissant.
Miró connaît la consécration au milieu des années 1920 avec ses « peintures de rêve » dont la magie poétique séduit les surréalistes tels que Robert Desnos et Michel Leiris. Posant un regard tantôt émerveillé, tantôt plus sombre sur le monde qui l'entoure, Miró donne progressivement corps à ce que son biographe, le poète Jacques Dupin a élégamment quali²é de « Mirómonde ».
À partir de 1954, l'installation à Palma de Majorque marque un nouveau tournant dans l'oeuvre de Miró. Dans cette période de créativité intense, sa peinture se métamorphose, devient de plus en plus gestuelle, directe et n'est pas sans évoquer les «¨Peintures sauvages» nées dans les années 1930 dans le contexte de la montée du nazisme.
Portant sur un ensemble de près de 90 oeuvres réalisées dans les années 1960-1970, la dernière période de création de l'artiste est particulièrement bien représentée dans les collections du Musée national d'art moderne/Centre Pompidou. -
Cy Twombly : oeuvres sur papier (1973-1977)
Collectif
- Lienart
- Arts Graphiques
- 15 Juin 2023
- 9782359064070
Artiste américain, né à Lexington en 1928 et mort à Rome en 2011, Cy Twombly commence ses études artistiques au moment où s'impose l'expressionnisme abstrait de l'École de New York. Dès ses débuts, Twombly s'affirme par un style d'une grande liberté, mêlant à une expression graphique où le geste prime, l'inscription de signes tels que des lettres, des chiffres, des figures ou encore sa propre signature... L'ensemble apparaît avec ses salissures, ses taches, ses traînées de couleur, comme de sublimes gribouillis, tendus et sensuels, qui ne manquent pas de dérouter la critique. À partir de 1957, il s'installe à Rome, désireux de s'imprégner de cette culture antique qui le fascine tant. Elle va peu à peu infuser son oeuvre et se manifester à travers des bribes de phrases ou des noms propres, « invoquant plutôt qu'évoquant » la mythologie gréco-latine et des auteurs antiques ou pré-romantiques. Son trait, au tremblé inimitable et aux divagations extatiques, semble défier le temps et l'histoire et unir en un seul geste les formes les plus archaïques à celles de la modernité. Loin de tout formalisme, son oeuvre se fait l'intime traduction des mouvements de l'âme face à ce qui la dépasse en un langage poignant et énigmatique où le corps, sur un mode éminemment sensuel, confère en permanence son énergie vitale.
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Philippe Cognée
Marc Donnadieu, Guy Tosatto, Julie Chaizemartin
- Skira Paris
- 14 Septembre 2022
- 9782370741981
Philippe Cognée est un peintre, graveur et dessinateur né à Nantes en 1957. Actif sur la scène artistique depuis les années 1980, il s'inscrit dans le mouvement de retour à la peinture. L'artiste est connu pour sa pratique de la peinture à la cire, dont il détourne l'usage traditionnel. Il projette sur la toile les motifs photographiés ou filmés et les peint sur le support avec de la peinture à l'encaustique. Par la suite, il recouvre la toile d'un film plastique et utilise un fer à repasser afin de liquéfier la cire. Les motifs commencent ainsi à se déformer sous la chaleur, créant un effet de flou et de profondeur. Cette technique permet à Cognée de dissoudre des éléments représentés, brouillant souvent la frontière entre peinture figurative et abstraction.Paysages urbains, vues de supermarchés ou d'abattoirs, clichés de Google Street View - le peintre trouve son inspiration dans ce qui l'entoure. Tout en puisant dans le quotidien, Cognée crée, grâce à sa technique atypique, des oeuvres originales dans lesquelles, à travers la déformation du réel, il montre une vision poétique du monde.
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Une histoire d'images : Donation Antoine de Galbert au musée de Grenoble
Antoine De Galbert, Guy Tosatto, Noëlig Le roux
- Empire
- 1 Janvier 2024
- 9791095991335
De la lutte pour les droits civiques aux bouleversements géopolitiques, des avancées technologiques aux grands mouvements culturels, en passant par le quotidien d'inconnus - tantôt violent, tantôt poétique -, chaque image révèle de manière poignante voire tragique, le destin d'une humanité aux prises avec la marche inexorable d'une Histoire qui souvent la dépasse ou la broie.
Publié à l'occasion de l'exposition de la donation Antoine de Galbert au musée de Grenoble, ce catalogue offre un panorama impressionnant de notre époque et du rôle déterminant joué par la photographie dans l'élaboration de nos perceptions et des mythologies contemporaines.
Oeuvres de Aalam, Bani Abidi, Antoine d'Agata, Lucien Aigner, Pilar Albarracin, Yolanda Andrade, Sammy Baloji, Ion Bîrl?deanu, Eric Baudelaire, Philippe Bazin, Guillaume Binet, Alain Bizos, Antoni Campana, Mario Carnicelli, Henri Cartier-Bresson, Jean-Philippe Charbonnier, Chieh-Jen Chen, Roman Cieslewicz, Christian Courrèges, David Damoison, Philippe De Gobert, Luc Delahaye, Bernard Descamps, Jean-Marie Donat, Alfred Eisenstaedt, Sandra Eleta, Fouad Elkoury, Charles Fréger, Alberto Garcia-Alix, Laurence Geai, Agnes Geoffray, Julien Gester, Stephan Gladieu, David Goldblatt, Hengameh Golestan, Cosmin Gradinaru, Guillaume Herbaut, Chester Higgins, Kati Horna, John Isaacs, Olivier Jobard, Alain Keler, Yevgeny Khaldeï, Chris Killip, Sirkka-Liisa Konttinen, Oleg Kulik, Olivier Laban-Mattei, Stéphane Lagoutte, Dorothea Lange, Le Tiers Visible, Arthur Leipzig, Alexandre Lewkowicz, Pascal Maître, Yuri Mechitov, Davood Maeili, Edouard Méhomé, Georges Melet, Li?via Melzi, Boris Mikhaïlov, Lisette Model, Etienne Montes, Yan Morvan, Genevieve Naylor, Vladimir Nikitin, Martin Parr, Paolo Pellegrin, Mathieu Pernot, Gilles Raynaldy, Marc Riboud, Sophie Ristelhueber, Hugo Schmolz & Karl Hugo Schmolz, Chantal Stoman, Paul Strand, Mikhael Subotzky, Barthélémy Toguo, Tomasz Tomaszewski, James-Iroha Uchechukwu, Alex Van Gelder, Erwan Venn, Weegee, Where dogs run, Sue Williamson, Wiktoria Wojciechowska, Pavel Wolberg, Tom Wood, Patrick Zachmann, Miron Zownir.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au musée de Grenoble du 16 décembre 2023 au 3 mars 2024. -
Pierre Bonnard, les couleurs de la lumière
Collectif
- In Fine éditions d'art
- 11 Novembre 2021
- 9782382030493
Avec pour fil rouge le lien entre la couleur et la lumière, cet ouvrage offre un regard sur l'ensemble du parcours de Pierre Bonnard, de sa période nabie à ses tableaux des années 1920 et 1930 où son style s'affirme pleinement, jusqu'aux chefs-d'oeuvre de la fin de sa vie. Les différents thèmes abordés permettent d'explorer les lieux qui l'inspirent - Paris, la Normandie, la Méditerranée - et ses sujets de prédilection : les intérieurs avec personnages, les nus, les paysages, les natures mortes, avec une attention toute particulière portée à la lumière, naturelle ou artificielle, qui était l'essence même de sa peinture.
Traversé par une douce mélancolie à laquelle l'âge donne peu à peu une plus grande gravité, l'art de Bonnard demeure avant tout une ode à la beauté du monde et à celle du corps féminin.
C'est aussi l'une des rares oeuvres du XXe siècle à offrir autant de bonheur à ceux qui la découvrent. -
Italia moderna ; la collection d'art moderne et contemporain italien du musée de Grenoble
Collectif
- In Fine éditions d'art
- 28 Janvier 2021
- 9782382030073
VALERIO ADAMI,GIOVANNI ANSELMO, ALIGHIERO E BOETTI,MANFREDO BORSI, ENRICO CASTELLANI, GIORGIO DE CHIRICO, LEONARDO CREMONINI, DADAMAINO,LUCIANO FABRO, LUCIO FANTI, FILLIA, LEONOR FINI, LUCIO FONTANA, JANNIS KOUNELLIS, BERTO LARDERA, ALBERTO MAGNELLI, OSVALDO MEDICI DEL VASCELLO, MARIO MERZ, AMEDEO MODIGLIANI, GIORGIO MORANDI, BRUNO MUNARI, GIULIO PAOLINI, GIUSEPPE PENONE, FILIPPO DE PISIS, MICHELANGELO PISTOLETTO, ENRICO PRAMPOLINI, LUIGI RUSSOLO, MARIO TOZZI, ANTONINO VIRDUZZO, MICHELE ZAZA
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Kandinsky, 1933-1944, les années parisiennes
Guy Tosatto, Bernar
- Somogy
- 9 Novembre 2016
- 9782757211908
Réfugié à Paris après avoir quitté l'Allemagne en décembre 1933, alors que les nazis viennent de fermer l'école du Bauhaus où il enseignait depuis 1922, Kandinsky s'installe avec son épouse Nina dans un appartement à Neuilly-sur-Seine. C'est là qu'il développe un style original, synthèse du vocabulaire géométrique des années du Bauhaus et des tracés aléatoires et ondulants de la décennie précédente. Par ailleurs, sous l'influence de ses lectures d'ouvrages scientifiques sur l'évolution de la vie, tout un répertoire de motifs biomorphes vient peupler ses compositions et confère à ce dernier style une saveur particulière.
Cette période de l'artiste, la moins connue du grand public, riche de ses échanges avec les milieux artistiques parisiens, de son intérêt accru pour les sciences et d'une spiritualité plus vive, fut peu à peu marquée par un sentiment d'exil, un exil intérieur habité de réminiscences à la fois artistiques et autobiographiques, qui eut une influence profonde sur son art.
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En collaboration avec le musée des Beaux-Arts de Dôle, le musée de Grenoble présentera à l'automne prochain une exposition rétrospective de Philippe Cognée. Apparu sur la scène artistique au milieu des années 1980, avec une peinture figurative aux accents primitivistes, Philippe Cognée a su, au début des années 1990, se remettre profondément en question et élargir son propos. En s'appuyant sur une technique picturale originale, il a développé une recherche plus complexe sur la peinture et son rapport à l'image photographique.
Soulignant l'ambiguïté du visible, il oppose à l'objectivité affirmée de la photographie le tremblé d'une matière liquéfiée, qui met en question le sujet même qu'elle est censée représenter. Peinture du doute, elle se révèle être paradoxalement un acte de foi en l'art, seul capable de restituer la plénitude contradictoire du réel. L'exposition, la plus grande jamais consacrée à l'artiste, rassemble une centaine de peintures dont le fameux ensemble Carcasses (2003), composé de trente-six tableaux.
Elle devrait permettre de saisir l'ampleur et l'ambition d'une oeuvre qui se déploie sur plus de deux décennies et fait de Philippe Cognée un des plus importants peintres français d'aujourd'hui.
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De la nature : Philippe Cognée, Cristina Iglesias, Wolfgang Laib, Giuseppe Penone
Collectif
- Lienart
- 10 Novembre 2022
- 9782359063929
La relation de l'homme à la nature apparaît comme un des sujets majeurs du xxie siècle. La prise de conscience écologique à l'échelle planétaire est en train de bouleverser nombre de systèmes de pensée dans des domaines aussi divers que ceux de l'économie, du social, du politique ou du culturel... Cette question du lien entre l'être humain et son environnement n'est pourtant pas nouvelle. Elle se situe même au fondement des origines de l'humanité et surgit dès l'instant où l'homo sapiens commence à conceptualiser ce qui l'entoure. Et sans remonter à ces temps immémoriaux, bien que la faune peinte sur les parois de Lascaux ou de la grotte Chauvet soit riche d'enseignements, l'apparition, à partir du Trecento en Italie puis à la Renaissance, de fragments de nature représentés au second plan de scènes mythologiques ou religieuses marque un changement profond dans la manière de considérer la place de l'homme dans son environnement et, ce faisant, celle qu'il lui assigne.
La présence de la nature dans l'histoire de l'art occidental constitue donc une donnée décisive pour qui veut comprendre le rapport qu'il a entretenu avec elle au fil des siècles. Elle éclaire non seulement les sensibilités de chaque époque, mais aussi les mouvements de fond qui les traversent, et qui ont abouti, durant la révolution industrielle puis à l'orée de la révolution technologique du xxe siècle, à des bouleversements profonds du langage artistique, anticipant ceux qui marquèrent la société.
Pour illustrer ce thème déterminant de la création artistique, l'ouvrage convoque quatre plasticiens, de renommée internationale, pour qui la question du rapport de l'humain à la nature est essentielle?: Philippe Cognée, Cristina Iglesias, Wolfgang Laib et Giuseppe Penone, qui proviennent d'horizons très différents et permettront, grâce à leurs propositions plastiques inédites, d'éclairer sous des aspects résolument originaux et singuliers cette relation. -
David Tremlett à l'orangerie de l'Hôtel de Sully : wall in 27 sections (mur en 27 section)
Guy Tosatto
- Éditions du patrimoine
- Un Artiste Un Monument
- 7 Décembre 2023
- 9782757708996
" Le rapport entre une construction ancienne et l'introduction du travail et des idées d'un artiste en vie doit reposer sur le respect et constituer un défi " David Tremlett Emblématique des hôtels particuliers " entre cours et jardin " du XVIIe siècle, l'hôtel de Sully - siège du Centre des monuments nationaux - abrite une orangerie qui servait autrefois à abriter les orangers en caisse durant l'hiver.
C'est le rez-de-chaussée de ce bâtiment que le CMN a proposé d'investir à David Tremlett. Formé à la sculpture, l'artiste britannique a développé un art de la rencontre avec le lieu, forgé par ses nombreux voyages à travers le monde. Pour l'orangerie, il conçoit Wall in 27 sections (Mur en 27 section), un dessin mural réalisé au pastel selon une technique qui lui est propre. L'oeuvre se déploie sur toute la longueur du mur principal faisant face à une série de larges fenêtres ; avec toute la subtilité des couleurs et de la matière de ses pigments, David Tremlett dialogue avec l'architecture dans une entente tacite, invitant le jardin dans l'orangerie.
" Le rapport entre une construction ancienne et l'introduction du travail et des idées d'un artiste en vie doit reposer sur le respect et constituer un défi " David Tremlett -
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Cristina Iglesias
Giuliana Bruno, Guy Tosatto
- Éditions Fage
- Catalogue D'exposition
- 19 Mai 2016
- 9782849754092
Considérée comme l'une des artistes espagnoles les plus marquantes de ces vingt-cinq dernières années dans le domaine de la sculpture, reconnue au plan international, Cristina Iglesias reste peu connue du public français.
L'exposition du musée de Grenoble et le catalogue qui l'accompagne permettent de découvrir une oeuvre à la fois pleinement contemporaine et profondément ancrée dans la culture ibérique.
Née en 1956 à San Sebastian, Cristina Iglesias s'est fait connaître sur la scène artistique européenne au milieu des années 1980. Son travail s'appuie sur des formes fortement architecturées qui se présentent comme autant d'invitations à des expériences sensorielles particulières. La vue, mais aussi le toucher, l'odorat ou encore l'ouïe sont convoqués pour vivre littéralement ces sculptures ambiguës et sensuelles qui évoquent tant la nature que l'architecture, des constructions hybrides réalisées avec les matériaux les plus divers (bronze, albâtre, béton, verre).
Pour le musée de Grenoble, Cristina Iglesias a conçu un parcours à partir d'un ensemble de travaux réalisés ces quinze dernières années : passage suspendu constitué de nattes en paille tressée sous lequel on déambule et qui découpe la lumière en mille éclats (visuel de couverture), labyrinthe végétal dont les parois sont animées par un lacis de branches et de feuilles, etc.
Le catalogue, bilingue français/anglais, consacre de nombreuses pages à ces oeuvres monumentales mais il comporte aussi une partie rétrospective très documentée, avec des textes de l'artiste traduits pour la première fois.
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Stephan Balkenhol
Erik Verhagen, Laszlo Glozer, Richard Leydier, Andreas Franzke, Guy Tosatto
- Actes Sud
- 4 Novembre 2010
- 9782742795376
Bien qu'installé en France depuis quinze ans, le sculpteur allemand Stephan Balkenhol demeure peu connu dans l'hexagone. De fait, cette grande exposition permet de prendre conscience de la pleine dimension d'une démarche qui offre une image renouvelée, non dénuée d'humour, de la statuaire anthropomorphique et une exploration subtile de la psyché contemporaine. Apparues au milieu des années 1980, les sculptures de Balken - hol se sont immédiatement signalées par leur dimension figurative affirmée et sont très rapidement devenues les icônes d'un renouveau de la sculpture figurative en Europe.
L'attention qu'il prête à son matériau de prédilection, le bois (préserver son apparence originelle, ne pas masquer l'impact de l'intervention manuelle, lier en un même bloc solidaire figure et socle), indique clairement une optique moderniste. Cependant, ce qui retient avant tout l'attention dans son oeuvre est la place centrale accordée à la figure humaine. Jeunes, lisses, élégants, les hommes portent un pantalon noir et une chemise blanche, les femmes une robe courte de couleur unie et apparaissent comme autant d'archétypes de la société occidentale de la fin du XXe siècle. Pour accentuer leur dimension mimétique et renouer avec la tradition médiévale de la sculpture en bois polychrome, l'artiste peint ses figures, à l'exception toutefois des chairs qui sont toujours laissées en bois brut. Cette restitution réaliste confère à ses sculptures à la fois un aspect familier et une sorte d'inquiétante étrangeté, sentiment renforcé par les brusques changements d'échelle opérés par l'artiste qui traite ses sujets aussi bien aux dimensions de la miniature qu'à celles du monumental. Autour de la figure humaine, Stephan Balkenhol développe des thèmes qui croisent les interrogations fondamentales sur l'identité, la norme et l'altérité, l'individu face à lui-même et face au groupe, les rapports entre les sexes, la présence de la mort. Une thématique qui s'est enrichie au fil des décennies et que l'artiste traite sous des formes de plus en plus variées (ronde-bosse, bas-relief).
C'est précisément par cette manière, simple et subtile, d'associer héritage historique et tradition artistique à des partis pris modernes et un univers résolument actuel que Stephan Balkenhol s'inscrit avec autant de force et d'originalité dans le champ de la sculpture d'aujourd'hui. Son oeuvre ne s'appuie pas sur une relecture tonitruante du passé, mais plutôt sur une tentative sincère et exigeante de renouer avec une histoire de la sculpture réaliste en préservant un regard à la fois tendre et ironique sur ce qui l'entoure:
Une manière de réenchanter le désenchantement du monde d'aujourd'hui et de redonner à la mélancolie une forme on ne peut plus contemporaine, douce et amère.
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Giorgio Morandi ; la collection Magnani-Rocca
Collectif
- In Fine éditions d'art
- 7 Janvier 2021
- 9782382030066
Connu avant tout pour ses natures mortes dépouillées et énigmatiques, pour son attachement viscéral à sa ville natale, Bologne, et pour sa vie monacale entièrement dédiée à l'exercice de son art, Giorgio Morandi (1890-1964) s'est imposé ces dernières décennies comme un artiste majeur du XXe siècle. C'est à travers le regard de l'un de ses collectionneurs, Luigi Magnani, que cet ouvrage se propose d'aborder de manière intimiste l'univers du maître bolonais grâce à la reproduction de plus de soixante-dix tableaux, gravures et dessins ainsi que de nombreuses photographies de son atelier.
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Georgia O'Keeffe et ses amis photographes
Guy Tosatto, Sophie Bernard
- Somogy
- 18 Novembre 2015
- 9782757210390
Née en 1887, dans le Wisconsin à Sun Prairie, Georgia O'Keeffe est reconnue, dès les années 1920 aux États-Unis, comme une figure majeure de l'art moderne américain. Longtemps associée à ses fleurs monumentales et suggestives, l'artiste est toutefois restée jusqu'à ce jour en Europe dans l'ombre de son compagnon et mentor, le célèbre photographe et défenseur des avant-gardes, Alfred Stieglitz. Le musée de Grenoble lui consacre sa première exposition en France sous la forme d'un dialogue avec les photographes qui ont contribué à forger son regard : Alfred Stieglitz, Paul Strand, Edward Weston, Imogen Cunningham ainsi qu' Ansel Adams, Eliot Porter et Todd Webb. Cet ouvrage révèle l'univers inédit de cette icône de l'art américain.
Georgia O'Keeffe occupe une place singulière dans le contexte de l'art américain. Ses peintures, reconnaissables entre toutes, se distinguent par leur immédiateté, la sensualité de leurs couleurs et la clarté de motifs qui s'imposent, avec insistance, à la mémoire. La force de ces images, qui viennent questionner le visible, tient au trouble créé par des formes énigmatiques oscillant souvent entre abstraction et figuration. L'artiste se fait connaître, dans les années 1920, par des peintures de fleurs et de buildings au réalisme photographique. Elle assimile alors l'esthétique précisionniste des peintres du cercle de Stieglitz - Arthur Dove, John Marin, Charles Demuth et Marsden Hartley, pour ensuite donner corps à un répertoire formel unique, profondément marqué par sa vie dans le désert du Nouveau Mexique. A partir des années 1960, en communion spirituelle avec son environnement du Sud-Ouest, O'Keeffe peint des compositions abstraites, dont la pureté formelle et la sensualité des tons se font l'écho des travaux de Mark Rothko, Ellsworth Kelly ou Agnes Martin.
Fruit d'une individualité forte, son oeuvre unique puise ses sources dans la nature. Entre abstraction et figuration, son travail se développe en séries selon un parti pris résolument moderniste. Ses compositions naissent avant tout de son observation du monde. Ce sont d'abord les ciels du Texas, les montagnes de Lake George, les buildings de New York et les fleurs. A partir de 1929, l'artiste choisit de passer ses étés à Santa Fe avant de s'installer définitivement au Nouveau-Mexique en 1949. Elle vit alors en communion intime avec la nature, goûtant la solitude des grands espaces, conduisant sa voiture à travers le désert. Cette expérience lui inspire de nouveaux sujets : architecture vernaculaire, canyons, os, ciels et rivières.
O'Keeffe fut fortement influencée par la photographie moderne. Pour en rendre compte, l'exposition fera ainsi dialoguer ses peintures avec les images de ses amis photographes et formera, un ensemble total de 80 oeuvres issu de quinze prestigieux musées américains mais également de grandes institutions allemandes, espagnoles et françaises.
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Catalogue bilingue français/anglais de l'exposition Sigmar Polke au Musée de Grenoble.
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